Es curioso comprobar como el mejor cine de intriga y reivindicación social está en manos de directores exiliados en países del norte de Europa como es el caso de los iraníes Jafar Panahi y Mohammad Rasoulof, el ruso Kirill Serebrennikov o el que nos ocupa en esta caso: el egipcio Tarik Saleh que culmina su trilogía sobre la imposibilidad de la integridad en un sistema autoritario. El guion de "Aguilas de El Cairo" es majestuoso y ha sido friamente calculado, no pretende que el espectador se sienta bien, sino que entienda cómo se pueden fabricar mentiras a escala nacional, y es en ese laberinto donde se pierde la noción de lo que es verdad y lo que es mentira cuando somos conscientes de ladebilidad de nuestras convicciones de nuestras decisiones. Es muy interesante el papel que tiene la ciudad de El Cairo en la película, mejor dicho su no-presencia debido a las prohibiciones que tiene el director para entrar en el país, la ciudad parece ser una extensión de sus protagonistas oscura y retorcida, acercándose más a un concepto mental que a una ciudad física.

Es complejo hacer una película sobre el síndrome de Tourette y que el espectador no se cortocircuite pensando si puede reírse o no de las situaciones tan comprometidas que se pueden generar. Pero Kirk Jones nos lo deja muy claro desde el principio cuando en el prólogo de la película vemos a John Davidson esperando en la fila para recibir su medalla de manos de la Reina Isabel II, y los nervios lo traicionan mientras grita "¡Que se joda la Reina!". Todo un momentazo deliciosamente iconoclasta que sirve como punto referencia para indicarnos sus intenciones y abrirnos las puertas al síndrome de Tourette de la forma más empática y divertida posible, gestionando de forma extraordinaria ese inestable balancín que regula la diversión y la compasión. A partir de aquí la cinta se convierte en una estructura clásica de un biopic con sus ritmos convencionales, luce mejor cuando se centra en lo cotidiano: la dificultad de encontrar trabajo, el miedo a las citas románticas; y remonta por completo cuando aparece el personaje de Dottie como contrapunto definitivo a la madre del protagonista. Se ha alabado mucho, y con razón, la labor interpretativa de Robert Aramayo tras el John Davidson adulto pero también hay que destacar la que realiza el joven Scott Ellis Watson con el John Davidson adolescente.

"Rebuilding" emana un magnetismo vital por todos sus fotogramas, y lo consigue además de una forma sencilla, transparente y vigorosa. Sabe qué quiere contarnos, y nos lo cuenta de la mejor forma posible. Una joyita en toda regla.

Isabel Coixet siempre se ha hecho fuerte ante territorios existenciales que abarcan las fronteras de la enfermedad, la fragilidad de la vida, la muerte y el amor. Sus mayores éxitos como Mi vida sin mi (2003) y La vida secreta de las palabras (2005) están tejidos con estos materiales y a ellos parece querer regresar en esta última entrega a la que además consigue dotar de un halo internacional y cosmopolita gracias a la bien aprovechada coproducción italiana. Puede parecer pretencioso manipular el existencialismo mediante una "dramedia romántica" pero este territorio lo conoce muy bien esta directora y sabe ocupar el espacio correcto delimitado por esa fina línea que separa la sensibilidad de la sensiblería. Ayuda, y mucho, el excelente trabajo interpretativo de su protagonista Alba Rohrwacher, capaz de hacer evolucionar a su personaje sin necesidad de artificios y con una transparencia emocional capaz de sostener algún que otro giro argumental levemente impostado. Uno termina la película con la intriga de cuales son los tres adioses a los que se refiere el título de la película, y la intriga se dispara cuando uno se da cuenta de que el título de la novela en la que se basa la película es "Tres cuencos" que además aparecen como un leit-motiv a lo largo de los momentos más transcendentales de la película. Me gusta la idea de pensar en los tres protagonistas masculinos de la película, si incluimos en esta cuenta al de cartón piedra.